IDENTIKIT - ROSAMARIA FRANCAVILLA

Nido by Rosamaria Francavilla

Intervista di Dores Sacquegna con l'artista italiana Rosamaria Francavilla

La pratica artistica di Rosamaria Francavilla, fonde moda, scultura e installazione in creazioni effimere e “gustose”, dove la materia viva – foglie, ortaggi, semi, fibre naturali – diventa linguaggio estetico e concettuale. Attraverso corpetti sensuali, abiti da sera e installazioni performative, l’artista indaga l’identità, la presenza e il rituale del vestire, mettendo in relazione corpo e natura.

ARTE, NATURA E CIBO NELLE OPERE DI ROSAMARIA FRANCAVILLA

Il binomio tra arte e cibo è stato un argomento trattato da molti artisti del passato. Penso a Giuseppe Arcimboldo, artista rinascimentale, Andy Warhol, Piero Gilardi, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, Daniel Spoerri per citarne alcuni. Negli ultimi 30 anni è un argomento a cui si sono dedicate anche importanti figure femminili portando alla ribalta il concetto di eco-femminismo. Quali artiste o artisti hanno influenzato la tua ricerca e cosa ti piace di più del tuo lavoro?

Gli artisti che hanno influenzato la mia arte sono tanti, ma Joseph Beuys è l'artista che meglio di altri mi ha trasmesso il significato di una idea di unità tra arte e vita. Recentemente, in occasione di una retrospettiva delle mie opere presso il Museo civico nel Palazzo Ducale di San Cesario di Lecce, la giornalista Carla Petrachi ha dato il titolo ad alcune mie installazioni "Rosa in campo azzurro". Il colore rosa e azzurro hanno rappresentato la porta che mi si è aperta sulle sensazioni più intime oltre la forma, oltre la figura. Mi è piaciuto rendere visibile l’invisibile; nei miei lavori mi piace cogliere il momento incantato in cui la forma si dissolve e diventa astrazione. 

Oggi più che mai c’è un ritorno a tematiche come la sostenibilità, il cibo e la biodiversità. In questa idea di natura la tua poetica di artista si fonde sul rapporto arte e vita.  Il tuo pensiero?

Creare è stato un atto di libertà, ho voluto esercitare una utopia concreta-comprensibile una necessità di rievocare, una diversità di sentire di percepire, conoscere e agire. Mi piace vedere il mio universo e immaginare che ogni spettatore possa vedere il suo, voglio che il cervello non veda il mondo, ma lo interpreti, lo racconti, lo immagini.

 Pensando ai tuoi abiti creati con una moltitudine di materiali alimentari come ceci, fagioli, foglie di carciofo, pasta e foglie di cavolfiore come nel caso dell’opera L’abito della festa, ci porta alla memoria le “nature morte” della storia dell’arte. Se potessi tornare indietro nel tempo, quale donna della storia ti piacerebbe incontrare?

L'ironia, l'irriverenza, l'audacia, il paradosso, la creatività estrema e l'umorismo sono stati per me i presupposti determinanti, il principale bisogno di stupire e sconvolgere gli amici e il pubblico legato ancora all'opera d'arte tradizionale. Questo genere di opere in qualche modo tiene insieme tutti questi aspetti della mia vita, la cucina quale luogo di incontro da sempre di arte, rifugio, accoglienza e nutrimento del corpo e dell'anima, trasformata per me in laboratorio d'artista.  Molte sono le donne che ho ammirato nella mia vita, per prima mia madre, che della natura mi ha fatto cogliere il colore, la forma, l'odore, il sapore, la trasformazione, incoraggiandomi a ritrarla con rispetto e attenzione. Potendo incontrarne qualcuna di più universalmente conosciuta, probabilmente penserei a Frida Kahlo (alla quale mi sento affine), Rita Levi Montalcini, Maria Montessori, tutte donne che hanno lasciato un segno indelebile, donne che hanno trasformato la disabilità fisica, il dolore e la potenza della loro femminilità in anticonformismo rivoluzionario, diventando attraverso la loro identità e sofferenza simbolo di resilienza, femminismo e orgoglio.

Nella tua opera Il nido realizzato con spighe di grano, rametti e un uovo sospeso cosa hai voluto rappresentare? 

Per i miei lavori ho usato tutti quegli elementi "invisibili" e visibili che indicano energia, calore, odori, ho voluto interpretare l'energia umana femminile nel senso più primitivo e naturale, il flusso della vita e della morte. Nell’opera Il nido (una gonna di spighe con un nido e l'uovo) ho voluto rappresentare la fertilità, la perfezione, la purezza, la creazione, la resurrezione, la vita.

Madre Terra del Sud è il titolo dell’installazione in mostra, realizzata con materiali misti come la cartapesta, la terra, i piselli, la ceramica e che rievoca una ferita, una rottura, un senso di perdizione di qualcosa. Cosa rappresenta per te?

Con l'opera la Madre terra del Sud ho voluto evidenziare la forza della donna, il dolore quale simbolo di femminismo e di libertà.

Progetti futuri?

Si, ho un nuovo progetto, gli anni turbolenti che stiamo attraversando mi stanno stimolando una forte voglia di immaginazione e di sogni. È un progetto che vedrà un sottile confine tra la cruda realtà e la voglia di fantasia. Un occhio attento e allenato - mi sono detta- può rinvenire un potenziale artistico in quasi tutto, coniugare ambiente, cultura e politica sarà difficile ma la forza dell'arte come espressione libera darà protagonismo al nostro territorio e mi darà la possibilità di far divenire il nostro Mediterraneo luogo di incontri delle diversità.

Rosamaria Francavilla, vive e lavora a Lecce. Negli anni Ottanta fa parte del gruppo Terra d’Otranto, associazione femminile di promozione culturale. Da molti anni realizza opere che presenta come essenze, “vestite” di elementi naturali e simbologie, che manifestano gli archetipi, raccontando i tempi dell’esistenza delle donne, antiche ritualità, in dialogo con l’ambiente. Partecipa a numerose mostre personali e collettive in Italia e all’estero. In mostra a Lecce per GENERAZIONE DONNA: Cosmogonie Femminili Contemporanee, XXXII edizione di Women’s Art Power.

Works by Rosamaria Francavilla

Interview by Dores Sacquegna with Italian artist Rosamaria Francavilla

Rosamaria Francavilla's artistic practice blends fashion, sculpture, and installation in ephemeral and “tasty” creations, where living matter—leaves, vegetables, seeds, natural fibers—becomes an aesthetic and conceptual language. Through sensual bodices, evening dresses, and performative installations, the artist explores identity, presence, and the ritual of dressing, connecting the body and nature.

ART, NATURE, AND FOOD IN THE WORKS BY ROSAMARIA FRANCAVILLA

The combination of art and food has been a subject explored by many artists in the past. I am thinking of Giuseppe Arcimboldo, a Renaissance artist, Andy Warhol, Piero Gilardi, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, and Daniel Spoerri, to name a few. Over the last 30 years, important female figures have also devoted themselves to this subject, bringing the concept of eco-feminism to the fore. Which artists have influenced your research and what do you like most about your work?

Many artists have influenced my art, but Joseph Beuys is the artist who, more than any other, has conveyed to me the meaning of unity between art and life. Recently, during a retrospective of my works at the Civic Museum in the Ducal Palace of San Cesario di Lecce, journalist Carla Petrachi gave the title “Rosa in campo azzurro” (Pink in a blue field) to some of my installations. The colors pink and blue represented the door that opened for me to the most intimate sensations beyond form, beyond figure. I enjoyed making the invisible visible; in my works, I like to capture the enchanted moment when form dissolves and becomes abstraction.

Today more than ever, there is a return to issues such as sustainability, food, and biodiversity. In this idea of nature, your artistic poetics merge with the relationship between art and life. What are your thoughts?

Creating was an act of freedom. I wanted to exercise a concrete, comprehensible utopia, a need to evoke, a diversity of feeling, perceiving, knowing, and acting. I like to see my universe and imagine that every viewer can see theirs. I want the brain not to see the world, but to interpret it, narrate it, imagine it.

Thinking about your clothes created with a multitude of food materials such as chickpeas, beans, artichoke leaves, pasta, and cauliflower leaves, as in the case of the work Abito della festa (The Party Dress), recalls the “still lifes” of art history. If you could go back in time, which woman in history would you like to meet?

Irony, irreverence, audacity, paradox, extreme creativity, and humor were the determining factors for me, the main need to amaze and shock my friends and the public still attached to traditional works of art. This kind of work somehow brings together all these aspects of my life: the kitchen as a place that has always been a meeting place for art, a refuge, a place of welcome and nourishment for the body and soul, transformed for me into an artist's studio.

There are many women I have admired in my life, first and foremost my mother, who taught me to appreciate the color, shape, smell, taste, and transformation of nature, encouraging me to portray it with respect and attention. If I had to choose some of the more universally known women, I would probably think of Frida Kahlo (to whom I feel a kinship), Rita Levi Montalcini, and Maria Montessori, all women who have left an indelible mark, women who have transformed physical disability, pain, and the power of their femininity into revolutionary nonconformity, becoming symbols of resilience, feminism, and pride through their identity and suffering.

What did you want to represent in your work Il nido (The Nest), made with ears of wheat, twigs, and a suspended egg?

For my works, I used all those “invisible” and visible elements that indicate energy, heat, and smells. I wanted to interpret female human energy in the most primitive and natural sense, the flow of life and death. In the work Il nido (a skirt of ears of corn with a nest and an egg), I wanted to represent fertility, perfection, purity, creation, resurrection, and life.

Madre Terra del Sud (Mother Earth of the South) is the title of the installation on display, created using mixed materials such as papier-mâché, earth, peas, and ceramics, evoking a wound, a rupture, a sense of loss. What does it represent for you?

With the work Madre Terra del Sud, I wanted to highlight the strength of women, pain as a symbol of feminism and freedom.

 Future projects?

Yes, I have a new project. The turbulent times we are living through are stimulating a strong desire for imagination and dreams in me. It is a project that will see a fine line between harsh reality and the desire for fantasy. A keen and trained eye, I told myself, can find artistic potential in almost anything. Combining environment, culture, and politics will be difficult, but the power of art as a form of free expression will put our region in the spotlight and give me the opportunity to make our Mediterranean a meeting place for diversity.

Rosamaria Francavilla lives and works in Lecce. In the 1980s, she was part of the Terra d'Otranto group, a women's association promoting culture. For many years, she has been creating works that she presents as essences, “dressed” in natural elements and symbols, which manifest archetypes, recounting the times of women's existence and ancient rituals, in dialogue with the environment. She has participated in numerous solo and group exhibitions in Italy and abroad. On display in Lecce for WOMEN'S GENERATION: Contemporary Female Cosmogonies, the 32nd edition of Women's Art Power.